當下，一看到這個作品的時候，覺得相當特別。牆上貼著一張張的詩句，與一張放在地上的照片。那些照片都沒有人物的影像，紊亂的景色，平凡的場景，不過多的安排又或者是寧靜的思維。展場中的作品，幾乎都是一種完整掛好、擺放的狀態。但為何會將作品放置在地上，而是利用這樣的方式呈現呢？展場中沒有多做其他解釋，於是我上網找了找。這段是網路上作者陳以軒自己的解答
未完成的狀態
「什麼是好照片？攝影為什麼一定要好看？為何照片也要裱框得好好的掛在牆上？」這些問題是陳以軒不斷質疑卻也還沒有答案的，但就處理內容與形式的手法而言，可明確感受到這方面的探索。從影像內容來看，採取幾乎與被攝物平行的視角，好像伸出手就能觸碰到那些東西，攝影者在場卻與不是以入侵的姿態進入；展示形式則充分與內容對話，將照片放在地上，讓照片的「物質性」更突出，連帶影響觀者得蹲低去看，貼近他拍攝時的姿勢，以及遊民棲住於那個空間的身體。
乍看《島民》這件作品會以為布展還沒完成，「但大部分的人可能只會想問這些照片怎麼放在地上？不過概念上也有點類似，懸而未決、暫時在此，就好像那些無可歸者的家當隨時可能會被清掉。」陳以軒笑著解釋。或許，所謂「好照片」不僅是畫面給人的感動，這個「好」的成立也可能需要藉由展示形式來達到，《島民》便是探索內容與形式關係的一件作品。
透過雙年展公開徵件（open call），策展人柯琳．狄瑟涵（Corinne Diserens）在《島民》作品發展期間就接觸到陳以軒，「那些照片和文案在那個空間其實可以用很多元的裝置形式呈現，但策展人希望不要太『多話』」他回憶道。《島民》呈現的樣貌是與策展人互動後的結果，而那股「空缺」也正好對應作品想說的一些消失、抹除、該空不空、不該空卻空之類的狀態。
不同於先前幾屆雙年展以「命題」方式策展，狄瑟涵的「共振」概念讓作品間彼此對話，在空間的安排上大量留白，「有些人會覺得個這方式讓論點有點模糊，但這樣的特質跟我的創作是接近的。」在雙年展預展記者會上，狄瑟涵拿到麥克風後，簡短說了幾句感謝之詞，接著導覽完第一件作品便請大家自行參觀。私下她和陳以軒說：「我們不該強烈地去定義作品在說些什麼，應該讓觀眾自己在展場中走動、閱讀、感受。」
我相當同意網路上作者的理念，因為當時的我在觀看這個作品時，就有這樣的感覺，一種輕鬆且能夠觸動到人內心的作品，是在一種自我的意識中去了解體會的。每個人對於事物的解讀不同，會許也跟作者理念不進相同，但這就是一種互動與思考。我也喜歡攝影，那框框中所遺留的事物，是另一種美的展現。而外在的定義，只不過是大家對美的定義，不須有誰對誰錯，而展場中，作品上都有一段文字，那也是相當吸引我的地方。它輕輕訴說著，我們靜靜觀看著，去想像去感受作品給你的感動。那樣的感覺真的很好！很推薦大家去看~~~
引用資料來源~
https://www.thenewslens.com/feature/taipeibiennial/55781
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